Ein Album für die Ewigkeit?

Der in Moskau geborene Musiker kennt schon lange keine Grenzen mehr.

Das lässt sich auch ganz klar auf dem neuen Album erkennen. 

Mit seinem neuen Album »In Your Name« ist Sergey Dunaev auf dem besten Weg, den hiesigen Musikmarkt im Sturm zu erobern.

Seine Liedtexte schrieb, komponierte, arrangierte und produzierte er allein.

Ebenso spielte er fast alle Instrumente auf dem Debüt selbst ein, lediglich für die Schlagzeugaufnahmen holte er sich Unterstützung von Dave Daniel Bönsch von der Band "Lila Bungalow".

Wer die Musik und die Alben der Band “Aha”, “The Strokes”, “Mando Diao: oder auch “Radiohead” mag, wird von diesem Album begeistert sein.

Dem Pop und Rock zugewandt, gelingt es Ihm ein zeitlos schönes Album mit vielen genialen Feinheiten aufzunehmen.

Neben pulsierenden und tanzbaren Hits haben es auch nachdenkliche und romantische Songs das neue Album geschafft.

Eine Mischung die sich zwischen Rock, New Wave und Pop bewegt.

Der erste Song ist ein entspannter Einstieg ins neue Album.

1. »In your Name« ist eine melancholische Pop Ballade, die ein wenig an den Stil der Norweger Band aha anknüpft, aber umso mehr Gefühl in den Lyrics und der Stimme von Sänger Sergey zeigt.

Der Song baut für mich sofort eine Stimmung auf, bei der man merkt "da kommt was!". 

2. „Glad I met you“:

Der Song beginnt druckvoll und bringt einen schönen tanzbaren Beat mit.

Der deutliche Klang der Drums bildet das Energiepolster für diesen klasse Song.

Einfach eine großartige Nummer.

3. „Parallel Man“:

Etwas sanfter beginnend mit einer dennoch sehr eingängigen Einleitung.

Und dann explodiert der Song wieder – sehr schön arrangiert. Erinnert leicht an die Musik von The Strokes.

Energiegeladene Instrumente und die einzigartige Stimme von Sergej machen aus dem Song eine Riesennummer.

4. „Salome“:

Harte Gitarrenriffs, klasse Beats und ein sehr eingängiger Sound.

Der Song wächst sekündlich bis zum Refrain um dann letztendlich zu explodieren.

Durch die rauen Vocals bekommt er zusätzlich einen sehr guten Klang und könnte auch eine Mischung von Beastie Boys und Mando Diao sein.

5.“Soldier“:

Ein perfektes Lied für laue Abende und einer Box mit diesem Song.

Eine sanft treibende Melodie, die durch tolle Gitarrenklänge verstärkt wird.

6. „You“:

Der sechste Track ist einer der wohl ruhigsten Songs auf der Platte der Band.

Teilweise sehr melancholisch wobei stark der Gitarrenklang im Vordergrund steht. 

Man versinkt in der gefühlvollen und teilweise leidenden Stimme Sergej’s, fühlt seinen Schmerz und möchte ihm laut zurufen “Alles wird gut”.

7. “Listen to my Prayer “:

Dieser Song ist sehr eingängig, absolut mitreißend und lässt meine Erwartungen deutlich steigen.

Der nächste Radio Hit für diesen Sommer mit einem Beat, der einen nicht sitzen lässt.

Für mich ist dieser Song der mit Abstand beste auf dem Album.

8. „Nothingness“:

Wieder ein sehr ruhiger und teilweise melancholischer Song, der sich zum Refrain hin aber steigert und etwas härter wird.

Vom ruhigem Anfang zur lauten Rock Nummer.

9. „La Du Dey“

Der Song geht direkt ins Ohr.

Irgendwie cool, brav, entspannt und treibend gleichzeitig.

Mir persönlich sagt dieser Track sehr zu.Diese Single würde man problemlos im Radio spielen können denn sie ist sehr eingängig, macht gute Laune und treibt zum sich bewegen an.

10. „Into the Light“:

Wieder eine starke, rockige,dynamisch verkratzte Nummer, die einfach nach vorne geht. Ein Energiegeladener Song, der ins Ohr und Bein geht.

Die Melodie, das Schlagzeug und der BASS!!

11. „Your Face“:

Das Album schließt mit einem wunderbaren Song. Rock Beats treiben den Song an, das Schlagzeug dominiert stark im Hintergrund, die Gitarre verströmt mit viel Hall eine rockige Atmosphäre. Ein schöner und sehr eleganter Song, der sehr gut zu dem ruhigen Start des Albums passt.

Fazit:

Ich finde es wunderbar, wenn verschiedene Stile ausprobiert und die Grenzen der Kompositionen ausschöpft werden.

Für meinen Geschmack ist die Platte sehr stimmig und reif.

Die Songs wechseln sich mit ruhigen und tanzbaren Stimmungslagen ab und hinterlassen einen sehr guten Gesamteindruck.

Der Sound ist transparent und sehr klar aus den Boxen kommend.

Was das Album als Ganzes so gut macht, sind die tollen Melodien, die einfach ins Ohr gehen und haften bleiben. 

Das Album kann ich definitiv empfehlen!

Ebenso empfehlenswert ist es, Sergej einmal Live zu sehen.

Das derzeitige Band Projekt wurde nach der Veröffentlichung der Platte, extra zusammengestellt mit dem Ziel, die Musik vom Album nun ebenso auf die Bühne zu bekommen.

Unter http://www.sergeydunaev.de kann man alle aktuellen Informationen zum neuen Album und zu Live Konzerten finden.

Band: ASIA

Album: Symfonia live in Bulgaria 2013

Plattenfirma: Frontiers Records S.r.l. (Soulfood)

Veröffentlichung: 24.02.2017

Die Legendären Rocker von Asia spielten am 21. September 2013 auf dem Sound of The Ages Festival in Plowdiw, wobei Sie bei einigen der Songs von dem Plovdiv Philharmonic Orchestra, geleitet von Levon Manukian, unterstützt werden.

ASIA spielten zusammen mit dem “Plovdiv Philharmonic Orchestra” im römischen Century Roman Theater in Plowdiw, der zweitgrößte Stadt Bulgariens, welche auf eine lange geschichtliche Vergangenheit zurückblicken darf.

Zu aller Erst: Als diese CDs aufgenommen wurde, litt John Wetton bereits seit 3 Jahren an Krebs, an dem er leider am 31.Januar 2017 mit 67 Jahren starb. Wetton liefert hier trotz dieser Krankheit, eine Performance stimmlichen Ausmaßes ab, dem nur wenige,wenn überhaupt, das Wasser reichen können.

Da die Musik von ASIA schon von jeher sehr orchestral arrangiert wurde, kann man sich also in etwa vorstellen wie die neue Platte klingen muss. Im Zeitalter von Orchestra-CD’s, wo sehr häufig die bekanntesten Songs mit ein wenig Streichern neu arrangiert werden, waren meine Erwartungen bezüglich des neuen Albums daher also nicht so groß. Doch ganz im Gegenteil!!!! Meine Erwartungen wurden tatsächlich übertroffen.  

Es ist es ein Erlebnis zu hören, dass es tatsächlich noch Rockmusiker gibt, die in der Lage sind eine Verbindung zwischen diesen komplett unterschiedlichen Musikstilen zu schaffen. John Wetton scheint trotz Krankheit in Bestform zu sein und zeigt einmal mehr, dass er der absolute Meister des Bombast ist.

ASIA, die meines Erachtens nach wie vor Ausnahmemusiker sind, spielt auf diesen CDs alte und neue Songs, die wieder mal hoch professionell präsentiert werden. Einziger Kritikpunkt: Die Songs werden hintereinander weg gespielt und es sind kaum Solo Einlagen dabei, die man sonst von den anderen ASIA Platten gewohnt war.

Auf der zweiten CD kam dann das Orchester mit zum Einsatz.  Das Zusammenspiel der Band mit dem Symphony Orchestra ist beeindruckend und reißt einen vollkommen von der ersten Minute an mit. Die Songs werden sehr schön durch das Orchester in Szene gesetzt und Wetton zeigt nach wie vor, dass er stimmlich, trotz jahrelangen Auftretens, Alters und Krankheit, keine Qualitäten eingebüßt hat.

Die Songauswahl zeugt von Klasse, wobei ich der Meinung bin, dass ASIA sowieso keine schwachen Songs besitzt. Die CDs bieten alles, was man braucht: Sehr gute Musik, eine gute Vorstellung von John Wetton und einer Band die ihr Handwerk versteht und hervorragend mit einem sehr guten Symphony Orchestra zusammen spielt.

Bei einigen Songs wie beispielsweise „Heat of the Moment“ habe ich es mir, egal wie blöd das jetzt klingt, nicht nehmen lassen, zu applaudieren. Wetton war einer der wenigen Top Sänger, die live genauso gut performten wie sie es auch auf CD taten. Diese CD ist ein absolutes Muss, ein Highlight für jeden Fan! Gänsehaut pur.

CD 1 – Trackliste

Sole Survivor

Time Again

Face On The Bridge

My Own Time

Holy War

An Extraordinary Life

Days Like These

Open Your Eyes

Disc 2 – Trackliste (Performed with the Plovdiv Philharmonic Orchestra)

Only Time Will Tell

Don t Cry

Heroine

The Smile Has Left Your Eyes

Wildest Dreams

Heat Of The Moment

Mehr Infos:

http://originalasia.com/

https://www.facebook.com/asiatheband/

Band: Place Vendome

Album: Close To The Sun

Plattenfirma: Frontiers Records S.r.l.

Veröffentlichung: 24.02.2017

Seit Dennis Ward und Michael Kiske mit Unisonic jede Menge Erfolge feierten, musste Place Vendome eine zeitlang ruhen. Nun haben Sie dennoch die Zeit gefunden, ein neues Album einzuspielen.

Close To The Sun“ heißt das vierte Werk welches, wie auch bei den ersten Alben, auf Altbewährtes zurückgreift. Was heißt, für beinahe jede Nummer holte sich Ward verschiedene Songschreiber und Solo-Gitarristen wie beispielsweise Magnus Karlsson, Jani Liimatainen, Olaf Thorsen, Simone Mularoni, Michael Palace und Alessandro Del Vecchio die Ihn tatkräftig unterstützten.

Das neue Album fängt recht instrumental an, was zuerst sehr vielversprechend wirkt. Gleich zu Beginn mit dem Opener und Titelsong “Close to the Sun” treten die Jungs ordentlich das Gaspedal durch und man spürt die gute Laune der Künstler.

Die Songs sind allesamt perfekt produziert sowie geschrieben und kräftig harmonisch bis in den letzten Ton gesungen. Viele der Songs kommen daher teilweise sehr theatralisch rüber. Musikalische Höhepunkte sind allerdings eher Mangelware, dennoch ist es ein sehr gutes, abwechslungsreichste Werk geworden mit teilweise flotten, melodischen, progressiven aber auch sanften und balladesken Songs.

Meines Erachtens fehlt es aber beim vierten Album an Persönlichkeit, ein wenig Seele, Frische und dem gewissen Etwas. Allzu große Abstriche muss man aber trotzdem nicht machen. PLACE VENDOME bietet mit dem neuen Album 12 mehr oder weniger gut gelungene Songs an, in denen es Kiske mit seiner einzigartigen Heavy Metal Ausnahmestimme schafft „Close To The Sun“ zu einem gut hörbaren Album zu machen.

Trackliste

Close to the sun

Welcome to the edge

Hereafter

Strong

Across the times

Riding the ghost

Light before the dark

Falling star

Breathing

Yesterday is gone

Helen

Distant skies

Mehr Infos:

https://www.facebook.com/Place-vendome-177275002336147/

26.05.2017; Label: Sturm & Klang/AL!VE; Katalognummer: S&K027; Bemerkung: Jubiläums-Edition zum 70. Geburtstag Weckers. 2 CDs im aufklappbaren Digipak; ohne Abdruck der Texte im Booklet;

Titel:

CD 1: Den Parolen keine Chance • Sage Nein • Ich singe, weil ich ein Lied hab' • Der alte Kaiser • Endlich wieder unten • Was passierte in den Jahren • Weltenbrand • Niemals Applaus (für meinen Vater) • Liebesdank • Stirb ma ned weg • Was immer mir der Wind erzählt • Inwendig warm • Wut und Zärtlichkeit • Empört Euch • Was keiner wagt • Sage Nein (Bonus Version)

CD 2: Leben im Leben • Die weiße Rose • Novalis • Alles das und mehr • Dass alles so vergänglich ist • Kleines Herbstlied • Wenn der Sommer nicht mehr weit ist • Das ganze schrecklich schöne Leben • Nur dafür lasst uns leben • Ich habe einen Traum • Gracias a la Vida • Questa nuova Realtà • Caruso • Schlendern • Tropferl im Meer

Rezension:

Noch nie war er so gut wie heute. Das beweist die neue CD des Liedermachers KONSTANTIN WECKER, die er anlässlich seines 70. Geburtstages am 1. Juni veröffentlicht. Es gibt nur wenige, die die deutsche Musikgeschichte so geprägt haben wie er. Mit mehr als 31 Titeln, brandneue Songs und Klassiker, ist es eines der bisher größten Alben geworden, die Wecker auf den Markt brachte.

Bemerkenswert ist auch, wie haargenau die Arrangements auf Konstantins Verse abgestimmt sind. Ein Rädchen greift hier ins andere, wodurch neben klaren Aussagen auch immer eine ganz eigene Atmosphäre entsteht. Und fast kein Musikgenre - und das hat man wohl bisher selten erlebt - bleibt unangetastet! Auf der ersten CD findet man z.B. "Den Parolen keine Chance", einen Song, der sich an Beethovens „Ode an die Freude“ anlehnt. Im aufrüttelnden Lied "Sage Nein" fordert Konstantin zum zivilen Ungehorsam auf! "Steh auf und misch dich ein!", ist eine Warnung vor dem Rechtspopulismus. In "Ich singe, weil ich ein Lied hab" steckt die Klarstellung Weckers, dass er den Gewinn seiner Lieder in der eigenen Persönlichkeitsentfaltung sieht. In "Der alte Kaiser" geht es ums Altern und den Rückblick auf das Leben ("Ein Mann mit weißen Haaren und vielen Gedanken"). Im "Weltenbrand" kritisiert er wie gewohnt die herrschenden Verhältnisse. Der Song baut sich langsam auf, der Mittelteil wird einmal mehr wiederholt und endet sehr bombastisch, wodurch das Stück noch mehr an Atmosphäre gewinnt. "Empört Euch" fordert die Menschen auf, sich nicht lethargisch den weltweiten Ungerechtigkeiten durch skrupellos eingesetzte Macht der Banken und Großunternehmen zu ergeben, sondern sich dagegen aufzulehnen. "Was keiner wagt" ist eine Ballade nach dem Gedicht des Theologen Lothar Zenetti. Das Lied fordert auf, sich gegen die Haltung der Masse aufzulehnen. Man soll nicht gedankenlos die herrschende Meinung übernehmen, sondern sich ein eigenes Bild machen und gegebenenfalls zu einer anderen Äußerung kommen. Es fordert ferner dazu auf, selbständig zu denken, neue Wege zu gehen und Offensichtliches kritisch zu hinterfragen. Auf der zweiten CD findet man Stücke wie z.B. "Novalis" mit einem Text des deutschen Schriftstellers der Frühromantik und Philosophen Georg Philipp Friedrich von Hardenberg, mit dem Denkanstoß "Stell dir vor, diese Welt würde durch Liebe und nicht durch Geld regiert". Im Prinzip kann man auf der zweiten CD den Songs folgen, die Wecker auf seinen Konzerten der letzten Jahre zum Besten gab.

Wenn es ein Album gibt, dass die Karriere von KONSTANTIN WECKER auf den Punkt bringt, ist es "Poesie und Widerstand". Keine schnöde Best-of-Kopplung, sondern ein faszinierendes Doppel-Album, das aus Sicht des Alters Rückschau hält. Diese Doppel-CD ist ein Glücksgriff! Ein Wechselbad der Gefühle erwartet den Hörer. Es ist zu vermuten, dass überwiegend Fans diese CDs kaufen werden, aber man kann sie problemlos allen ans Herz legen, die einfach gute, handgemachte Musik mit poetischen Texten mögen, also allen, die anspruchsvolle deutsche Songs bevorzugen! Wecker ist sich selbst treugeblieben. So singt er von Liebe und Freundschaft, schwelgt in Erinnerungen, singt von Hoffnung, fordert auf zum gegenseitigen Miteinander und plädiert für mehr Menschlichkeit in einer bitterkalten Zeit. Hinterfragen statt Mitlaufen und "Nein" sagen, wo es nötig ist. Und es gibt sie doch noch: die ernsthaften und manchmal auch kritischen Lieder, selbst in einer Zeit der inhaltslosen Konserven-Musik, die Zuhörer ohne Verstand ansprechen soll.

(Franzi Münch)

01.07.2016; Label: A&O Records/edel: Kultur; Katalognummer: 1060001AUO; Produzenten: Manuel Schmid, Marek Arnold; Bemerkung: CD im aufklappbaren Digipak;

Titel:
Der Tag erwacht • Das Paradies • Also was soll aus mir werden (Album Version) • Glaube mir • Hüte deinen Traum • Elena • Worte sind wie Bilder • Liebe • Geld • Seelenlieder I • Seelenlieder II • Vorbei • Seelengarten • Das Ende vom Lied


Rezension:
Seit 2012 ist Manuel Schmid Sänger der legendären Band Stern-Combo Meißen. Dennoch findet er nebenher Zeit für viele andere musikalische Projekte. So ist er beispielsweise noch im Altenburger Gospelchor Colours of Soul anzutreffen, bei der Progrockband Cyril wirkt er seit 2014 mit Gesang und am Keyboard mit und auch als Singer/Songwriter ist das Altenburger Ausnahmetalent erfolgreich. Mit "Seelenparadies" brachte er 2016 nun sein zweites Solo-Album raus. Das Album besteht aus Liedern, die "durchlebt" wurden, Tiefe zeigen und Songs, in denen man sich selbst wiederfinden kann. Für sein zweites Album holte sich Manuel namhafte Gastmusiker wie Dirk Zöllner, Rainer Oleak und Peter Rasym mit ins Boot, ebenfalls die Band Cyril. Deren Keyboarder Marek Arnold (Ex-Stern-Meißen-Mitglied) beteiligte sich an mehreren Kompositionen und Arrangements, und begleitete Manuel am Keyboard und Saxophon.

Der erste Song ist ein entspannter Einstieg ins Album, ist ein Instrumental und heißt "Der Tag erwacht". Wenn man die Augen schließt, erinnert einen das Stück an einen erwachenden Morgen, szenisch auf dem Klavier nachempfunden.
"Das Paradies": eine melancholische Ballade, die von Marek Arnold am Sopransaxophon begleitet wird und damit das "Gefühl" in den Lyrics und der Stimme von Sänger Manuel Schmid noch mehr trägt. Der Song baut sofort eine Stimmung auf, bei der man merkt "da kommt was!" - die Spannung steigt!
"Also was soll aus mir werden": Im Original wurde dieser Song im Jahr 1980 von der Artrock-Band Stern-Combo Meißen veröffentlicht. Noch nie wurde der Titel aber bisher gecovert. Er beginnt druckvoll mit einem schönen tanzbaren, jugendlich-modernen Beat und wird durch den deutlichen Klang der Drums dominiert. Einfach ein großartiger Titel!
"Glaube mir": Etwas sanfter beginnend mit einer dennoch sehr eingängigen Einleitung. Und dann verdichtet sich der Song wieder - sehr schön arrangiert und durch Marek Arnolds Klarinettenspiel und der einzigartigen Stimme von Manuel ist dieser Song eine Riesen-Nummer!
"Hüte deinen Traum": Eine klare Stimme, klasse Beats und ein sehr eingängiger Sound. Der Song wächst sekündlich bis zum Refrain, um dann letztendlich regelrecht zu explodieren. Durch die klaren Vocals bekommt er zusätzlich Farbe.
Den Song "Elena" schrieb Manuel für die Taufe seines Patenkindes. Das Lied handelt von der innigen Mutter-Kind Beziehung und als kleines Highlight konnte sich Manuels Patenkind dann sogar akustisch im Song verewigen.
"Worte sind wie Bilder": Der siebte Track beginnt ruhig, baut sich aber sofort rhythmisch auf, um sich zu einem der rhythmischsten Stücke zu entwickeln. Der mitreissende Slap-Bass von Peter Rasym liefert sich mit virtuosem Sopransax und Manuels grooviger Cajon und Piano ein Duell, um im Refrain wieder fast melancholisch ruhige Teile einzuleiten, wobei wieder stark der klare Gesang im Vordergrund steht. Man versinkt in der gefühlvollen und teilweise leidenden Stimme Manuels, fühlt seinen Schmerz und möchte ihm laut zurufen "Alles wird gut"!
"Liebe": Der Song geht direkt ins Ohr. Irgendwie cool, brav, entspannt und treibend gleichzeitig. Komplett acapella umgesetzt, verbreitet er eine ganz neue Stimmung, macht gute Laune und treibt zum Bewegen an.
"Geld": Wieder ein Song, der ruhig anfängt, der sich zum Refrain hin steigert und immer "härter" wird. Komponiert wurde dieser großartige Song von Marek Arnold, Denis Strassburg und Manuel. Eingespielt wurde es in Bandbesetzung (Cyril) und mit Altsaxophon, ebenfalls von Marek Arnold gespielt. Es wird mit dem ruhigem Anfang zur "lauten" Pop-Nummer gepusht und ist damit perfekt für laue Abende geeignet. Jedoch nicht, ohne textlich deutlich Kritik am "Geld" als Lebensmittelpunkt zu üben.
"Seelenlieder I" / "Seelenlieder II": Komponiert wurde auch dieser Song (hier in zwei Teilen angeordnet) von Marek Arnold und Denis Strassburg, instrumental eingespielt aber bereits 2013 für das erste Album der Band Cyril. Die "Seelenlieder" sind emotionale Höhepunkte dieser Platte, denn sie wurden dem ehemaligen Stern-Combo-Meißen-Sänger Reinhard Fißler gewidmet. Im Song "Seelenlieder II" ist obendrein Dirk Zöllner als Gast-Sänger dabei und verleiht dem tief emotionalen Lied mit seiner erotisch-rauchig klingenden Stimme noch eine zusätzliche Komponente, die zum impulsiven Höhepunkt des Albums wird.
Im Lied "Vorbei" wird es sehr emotional und tief. Es geht um eine zerbrochene Beziehung und die damit verbundenen Gedanken und Gefühle. Von Marek Arnold komponiert und eingespielt (Keyboards, Sopransaxophon), kann dieser Song Manuels Stimme wundervoll Freiraum bieten. Keines der Instrumente dominiert hier. In diesem Lied herrscht eine Art Symbiose. Eine sanft treibende Melodie, die durch tolle instrumentale Klänge verstärkt wird.
"Seelengarten" ist wieder eine starke instrumentale Nummer, ein Song, sehr sphärisch und wie aus einer anderen Welt, der ins Ohr geht und zum Träumen einlädt.
"Das Ende vom Lied", komponiert und am Piano durch Marek Arnold begleitet, ist ein Song, der emotional sehr tief geht und seine Zuhörer eventuell an eigene erlebte Situationen erinnert. Frei nach dem Motto "tiefer geht es nicht - jetzt kann es nur noch bergauf gehen", handelt dieses Lied vom Ende einer - beispielsweise - schlimmen Zeit, das Ende des Liebeskummers, einer Trauerphase usw. Es geht um den Lichtblick am Horizont nach einer dunklen Zeit im eigenen Leben.

Fazit: Das Album "Seelenparadies" kann man als Art Rückblick oder auch als musikalische Biografie beschreiben. Dem Pop und Rock zugewandt, gelang es Manuel Schmid ein zeitlos schönes Album mit vielen Feinheiten aufzunehmen. Eine Mischung, die sich zwischen pulsierenden und tanzbaren Hits und nachdenklichen, romantischen Songs bewegt. Es ist wunderbar, wenn verschiedene Stile ausprobiert und die Grenzen der Kompositionen ausschöpft werden. All dies sehr stimmig und reif. Die ruhigen Songs wechseln sich mit tanzbaren Elementen und verschiedensten Stimmungslagen ab, und hinterlassen einen mitreissenden Gesamteindruck. Der Sound ist transparent und kommt sehr klar aus den Boxen. Was das Album als Ganzes so gut macht, sind die tollen Melodien, die direkt ins Ohr gehen und dort haften bleiben. Das Album kann ich definitiv empfehlen! Ebenso empfehlenswert ist es, Manuel Schmid solo oder mit Band einmal live zu sehen.
(Franzi Münch)

chen Blues: Jule Werner, die Ina Deter der heutigen Zeit .

All diese deutschsprachigen Bands der letzten Jahre ... schön zu beobachten und teilweise schön zu hören. Aber auf das Album von JULE WERNER hab ich mich unheimlich gefreut, da - bis auf drei Ausnahmen - alle Songs von meinem großen Idol Andreas Hähle getextet sind. Wer nun fragt: “Andreas Hähle? Wer ist das?” ... Andreas Hähle ist gelernter Maschinensatztechniker, der vorwiegend als Textautor, Redakteur, Moderator, Trauerredner, Kolumnist, Produzent und Hörbuchsprecher unterwegs ist und in Erscheinung tritt, und dessen eigentliche Liebe - neben seiner charmanten Frau - einzig und allein das Schreiben ist. Dem Schreiben von Texten, Songs, Lyrik, Prosa etc., denn hier kann er sich vollends fallen lassen und seine Sinne und Gedanken entfalten. Ganz nebenbei war er lange Jahre Vorstandsmitglied bei Deutsche Mugge und schrieb hier so manchen Bericht. Auf dem neuen Album von Jule Werner hat Andreas fleißig mitgemischt. Die Texte zu den Liedern "Traumland", "Abseits", "Renn", "Angst", "Liebe", "Magie", "Biss", "Duft" und "Gesichter" stammen aus seiner Feder, und er gab damit den Gedanken und Gefühlen der Sängerin JULE WERNER die passenden Worte.

Geprägt wurde JULE WERNER bereits in frühester Kindheit durch grandiose Künstler wie Tamara Danz, Janis Joplin und Jim Morrison, bevor sie über die Gitarre den Weg zum Gesang fand. Rock'n'Soul nennt sie selbst ihr musikalisches Genre. Der Name JULE WERNER war mir bis jetzt noch nicht wirklich ein Begriff, aber das hat sich schlagartig geändert: Dieses Album hat mich nämlich echt umgehauen. "Traumland" ist ein unglaublich starkes Werk mit ruhigen Tönen, aber auch ein paar wirklich rockigen Nummern. Wer auf Mainstream oder oberflächliche Musik zum "Berieseln lassen" steht, ist bei diesem Album definitiv falsch. "Traumland" ist teils schwere Kost und braucht auch bei manchen Songs etliche Hördurchläufe um es zu verstehen. Ein echtes Plus dieses neuen Albums sind einerseits mit Sicherheit die sehr nachdenklichen, typischen Hähle-Texte, und andererseits die Songs, die überwiegend ruhig sind, aber mit bärenstarken Melodien aufwarten. Die Melodien sind exzellent und gut durchdacht arrangiert und perfekt umgesetzt.

Alle 12 Songs werden durch die herausragende Stimme von Sängerin JULE WERNER getragen. Sie singt so warm timbriert, kickst so kokett, und tritt in den Dialog mit ihren glänzenden Musikern. Was sie auf diesem Album abliefert, ist wirklich Wahnsinn. Jule verfügt über die Fähigkeit, den deutschen Texten durch ihre Stimme noch mehr Ausdruck und Leben einzuhauchen und Gefühl zu geben. Eine starke Qualität, die nicht jede Sängerin besitzt. Gerade im Deutschen. Beeindruckend. Doch nun zu den einzelnen Songs des Albums ...

Das Intro ist ein echt bockstarker Opener mit grandioser Melodie und gefühlvollem Gesang. Stark geht es mit "Magie" weiter, ein sehr ruhiger Song mit abermals tollem Text, melancholisch und mit jeder Menge Gefühl und Emotion. Einer der Songs, die durch die grandiose gesangliche Leistung von JULE WERNER erst seine ganze Wirkung entfaltet.

"Musik" ist ein Knaller, zumindest für mich. Ein Song bei dem alles stimmt, die grandiose Melodie, die starken Lyrics und die Instrumente die mit eingebaut werden. Ein absoluter Sommersong, der ein wenig an Ska erinnert.

"Fliegen", wieder ein ruhigerer Song, ist einfach nur wunderbar. Diesen Song liebe ich mit jedem Anhören mehr. Stark!

"Abseits" ist eines der Lieder, die beim ersten Hören bereits für Begeisterung sorgen und hängenbleiben. Große Klasse!

"Leuchtturm" ist wieder eins der ruhigen Stücke und lädt den Hörer wirklich zum Nachdenken ein.

"Duft" ist ein etwas flotterer Song. Textlich richtig geil ist er nichts für oberflächliche Hörer, die sich mit Musik "berieseln" lassen wollen. Schwere Kost, die - wenn man sich richtig darauf einlässt - auch zu überzeugen weiß.

"Liebe" ist für mich eines der besten Stücke auf dieser Platte, melancholisch, nachdenklich und mit einer Top-Melodie. Anspieltipp!

"Angst" ist richtig balladesk und sehr ruhig, aber ein Traum von einem Song. Der Text ist grandios, gepaart mit der unfassbar schönen und bewegenden Melodie ist dieses Stück ein echtes Highlight. Ein ganz starkes Stück, das mich zu Tränen gerührt hat und mit Jule auf einem gesanglichen Top-Niveau.

"Gesichter" ist musikalisch etwas mehr mit Leben gefüllt und überzeugt ebenfalls auf ganzer Linie. Tolle Nummer! Diesen Song mag ich unheimlich gerne, weil Jule es mit einer besonderen Leichtigkeit in Begleitung von total unaufdringlichen Instrumentakkorden singt. Eines der Lieder, in das man gar nix rein interpretieren möchte - einfach schön anzuhören.

Eine der Nummern, die mich von Anfang an gepackt hat, ist "Biss". "Renn" stellt das Ende des Albums dar, ist aber nochmal echt klasse. Text, Melodie und Gesang in perfektem Einklang. Starker Abschluss eines grandiosen Longplayers!

Fazit: "Traumland" hat mich umgehauen und zu einem richtigen JULE WERNER-Fan werden lassen. Zum größten Teil melancholisch, ruhig und gefühlvoll mit tollen Melodien und einer grandiosen Jule Werner. Ein Album, das sicher mehrere Hördurchläufe braucht, doch wenn man dieser Platte die nötige Zeit gibt, wird sie auch richtig zu scheinen beginnen. Tiefgründig, hoffnungsvoll, melancholisch. Es steht für echte, authentische Musik, man glaubt einfach den Künstlern die Liebe zur Musik.

(Franzi Münch)

…... für alle die gerne gute und echte Musik hören und Wert auf Text und Gefühl legen.

Man kann Manuel Schmid schwer mit Worten beschreiben ...

Manuel Schmid veröffentlicht nach zwei Studioalben seine erste Live CD.

„Dein Liebe und mein Lied“.

Manuel Schmid ist für mich derzeit der beste deutsche Musiker, seine Studioalben sind emotional, wahrhaftig und lyrisch anspruchsvoll.

Ich zögerte erst, weil ich dachte, diese großartigen Lieder hast du schon alle auf CD vom Original Künstler. Da kann niemand das Wasser reichen. Doch weit gefehlt, denn durch die neuen Arrangements im Spiel mit den verschiedenen Instrumenten hat er sich nochmals selbst übertroffen.

Soundtechnisch wurde ganze Arbeit geleistet. Die leisen Töne kommen sehr gut rüber. Diese CD kann man sowohl leise als auch laut hören. In beiden Fällen entfaltet sie voll ihre Gänsehaut erzeugende Wirkung.

Die Auswahl ist sehr gelungen und auch die Reihenfolge spricht schon für sich.

Diese CD kann man so oft hören, und sie wird einem einfach nicht über.

Wie bei einem Studioalbum gibt es immer was Neues zu entdecken.

Gefüllt mit über 120 Minuten Musik, aufgezeichnet an in Gera in der Commode am Steg während der Tour 2016.

Der Widerspruch zu effektheischenden Pop-Granaten hätte nicht größer ausfallen können. Wer die Bereitschaft mitbringt, genau hinzuhören, sich vom Zauber der intimen Musik einfangen zu lassen, für den ist es zweifelsfrei ein unvergesslicher, musikalischer Hochgenuss. 

Das Album ist authentisch, voller akribisch ausgefeilter Arrangements, konzentriert und leidenschaftlich - ein echter Manuel Schmid eben!

Bei der Auswahl seiner Mitstreiter hat er ein goldenes Händchen bewiesen. Das Schlagzeug wird sehr gefühlvoll von Ekkehard Dressler gespielt und rhythmisch auf den Punkt gebracht.

Marek Arnold schafft durch Sopransaxophon, Klarinette und Altsaxophon einen faszinierenden musikalischen Rahmen und sorgt für besondere Akzente. 

Manuel Schmid hat offensichtlich seine Berufung als Musiker und Songwriter gefunden. 

Wer Manuel schon live erlebt hat, weiß, dass seine Auftritte keine gewöhnlichen Konzerte, sondern gemütliche Abende mit Anekdoten, entspanntem Geplauder und viel Musik sind. Für die CD wurde der Plauder-Anteil zugunsten der Musik etwas reduziert, die besondere Atmosphäre kommt aber trotzdem rüber. Das Album wurde aus einem Konzertmitschnitt in Gera zusammengestellt.

Das neue Album zeigt den sympathischen Künstler mal wieder in Hochform und ist ein Muss für alle Fans.

Minimalistisch das Setting, erinnernd an Wohnzimmeratmosphäre im kleineren Rahmen, versprühen die Konzerte von Manuel wie schon erwähnt, eine intensive Verbundenheit zwischen Künstler und Zuhörer vor der Bühne.

Es ist faszinierend, mit welchen stilistischen Mitteln hier eine so dichte akustische Atmosphäre erzeugt wird die mich persönlich fasziniert. Keine Ablenkung, einfach nur tolle Melodien, Texte aus dem Leben die Geschichten erzählen die jeder irgendwie nachvollziehen kann...

Die CD Aufzeichnung ist verdammt nah am Live-Erlebnis - nur eben ohne Bild.

Zwei Stücke sind es, die ich besonders herausstellen möchte. Beides seine eigenen Werke.  Zum ersten "Worte sind wie Bilder". Für mich ist das Stück nicht eben nur ein Lied, sondern eine perfekt komprimierte Symphonie! Manch ein Komponist der hätte aus diesem Stoff ein ausgewachsenes Werk geformt, mit allen üblichen Themen und Motiven. 

Zum zweiten "Das Ende vom Lied" - Ein tiefsinniger Text, hochemotional, eingebettet in ein Arrangement das mich sprachlos zurücklässt. Ein instrumentaler Rahmen, der die Stimme Manuels mit strahlenden Farbtupfern ergänzt. Das Sopransaxophon verleiht dem Werk einen schimmernden, seidig-warmen Glanz.

Das mit der kompletten Formation gespielte Finale lebt von der packenden Rhythmik. Dies alles führt dazu, dass die Musik, auch ohne das Bühnenbild des Live-Konzerts, ihre volle Wirkung entfaltet.

Manuel Schmid klingt immer ehrlich, glaubwürdig und sehr authentisch. Man nimmt ihm seine Text ab. Es wird gelebt, geliebt, gelitten in seinen Liedern, auf eine Art und Weise, die unter die Haut geht. 

Ein Live Konzert in so einem kleinen Lokal abzumischen ist keine leichte Aufgabe. Dennoch wurde ein beachtlicher Dynamikumfang realisiert.

Manuel’s Stimme trägt und ist sehr gut verständlich. Instrumente und Stimme haben deutliche Konturen, wirken farbstark und sind in ihrer räumlichen Positionierung gut erkennbar. Die Spannung des Live Konzerts wird auch Zuhause nachvollziehbar.

Also alle im Lande, die der gewollten Oberflächlichkeit noch nicht erlegen sind, die selbst noch am schöpferischen Denken festhalten und nicht auf die Medien-verdummung reinfallen, holt euch dieses Lifealbum, ihr werdet es definitiv nicht bereue

Fazit: ein klasse Album, nicht nur für Fans. Wer bereit ist zuzuhören, wird mit einer musikalischen Sternstunde belohnt.

Fakt ist, "Dein Liebe und mein Lied" ist nach zwei wirklich eindrucksvollen Studio-Alben von Manuel Schmid nun seine dritte Album-Veröffentlichung, es ist eine ambitionierte Live-Produktion.

Kein Trend spülte den jungen Sänger hoch, kein bekannter Radiosender dudelt ihn in der Heavy-Rotation, er ist eigen und macht seine Lieder so, wie er sie für richtig hält und darum sind sie auch richtig - richtig für ihn, richtig für ein paar hunderttausend andere. Und er drillt sie nicht nach einem Zeitgeist Muster, um kurzfristig bei Millionen zu landen und dann mit der nächsten Zeitgeist Welle hinfort gespült zu werden - trotzig sehnsuchtsvoll und emotionale Weichheit, weil er eben so ist wie er ist, weil er nur so authentisch sein kann, so klingt Manuel Schmid eben wie Manuel Schmid.

Ein “echter” Musiker bringt seine Emotionen ins Spiel hinein, zeigt was sich in ihm regt.

Ein guter Songwriter beispielsweise definiert seine eigene Musikrichtung. Und so hat Manuel sehr viel gemein mit den anderen guten Musikern.

Jeder, der schonmal ein Konzert besucht hat, wird sich zurückversetzt fühlen, wer nicht dabei war, kommt mit dem Album sehr nah ran, an die besondere, gedankenvolle und gefühlvolle Stimmung der Konzerte. Mehr kann ein Live-Album nicht leisten.

Besonders wird das Album, weil die Songs  nicht einfach nur runtergespielt werden und hier nun lediglich mit Publikumsgeräuschen angereichert zu hören sind, sondern weil nahezu alle Lieder musikalisch ganz anders eingekleidet wurden als in der bekannten Original oder Studioversion. Nicht völlig umgekrempelt oder neu erfunden und schon gar nicht besser oder schlechter, sie rücken klanglich irgendwie zusammen.

Das wahre Live-Erlebnis kann das Album natürlich nicht ersetzen, aber zum Glück ist Manuel Schmid immer irgendwo in Deutschland live unterwegs.

vonReuzz…... steht für rauen Sound, energiegeladen und doch entspannt, so lässig eben, wie diese Band, wo beide Künstler tief verwurzelt Rock’n Roll im Herzen tragen!

Das Album fängt sehr rockig instrumental an, was von Beginn an sehr vielversprechend wirkt.

Wortgewandt, facettenreich und mit viel Gefühl und rockigen Beats präsentierten Jonny Real und Mike von Reuzz die Höhen und Tiefen des Menschseins.

Ihre selbst verfassen Lieder sprechen vom Lieben, von Liebenden und Lieblosen. 

Vom Strahlen, vom Lachen und vom Weinen.

Jonny’s rockrauchige Stimme und die druckvollen Gitarrenriffs geben der Band einen unverwechselbaren Sound.

Gleich von Beginn an treten die Jungs ordentlich das Gaspedal durch und man spürt dieSpielfreude der Künstler.

Die Songs sind allesamt selbst produziert sowie geschrieben und kräftig harmonisch bis in den letzten Ton gesungen. Viele der Songs kommen daher teilweise sehr theatralisch aber echt rüber.

Sie versuchen nicht übertrieben originell zu sein, weil die zwei längst selber Originale geworden sind.

Und somit ist klar, dass der Kreis ihrer Fans im Laufe der Zeit immer größer geworden ist und stetig wächst.

Es ist ein sehr gutes, abwechslungsreichste Werk geworden mit teilweise flotten, melodischen, progressiven aber auch sanften und balladesken Songs.

Das Duo schafft es mit einfachsten Mitteln Harmonie in die Lieder und das Gefühlsleben seiner Zuhörer zu bringen.

Rundum überzeugend und absolute empfehlenswert sich dies Live anzuschauen.

Zu seinen Konzerten pilgern immer mehrere Generationen. Musik für die ganze Familie. Er verbindet Rock’n’Roll mit Volksmusik. Der Österreicher Hubert von Goisern jodelt und spielt E-Gitarre und Akkordeon wie selten einer zuvor. Für die Produktion seines im Jahre 2015 erschienenen Albums "Federn" reiste er in die USA um Land und Leute als Inpirationsquelle zu nutzen und um Amerika, laut seiner Aussage, besser zu verstehen. Und so kam es dann. Goisern brachte die traditionelle amerikanische Musik wie Blues, Country oder aber auch Folk-Music mit ins neue Album. So wurde kurzerhand das Lied "So a Segen" vom Lied "Amazing Grace" abgeleitet. Hubert von Goisern überrascht immer wieder durch Vielfältigkeit. Er sucht ständig neue Herausforderungen. Seine Inspiration für das eben erwähnte Studio-Album gaben ihm amerikanische Größen wie Hank Williams, Jimmie Rodgers oder David Alan Coe, Muddy Waters und Louis Armstrong. Er benutzte auch neue Instrumente, wie Pedal-Steel, Stromgitarre und die Cajun-Ziehharmonika, die er vorher nicht kannte. Mit diesem neuen Album im Gepäck ging der Musiker zwischen 2014 und 2016 mit Band auf große Europa-Tour. Das hier vorliegende Doppel-Album "Federn live" wurde während dieser Tour mitgeschnitten. Abgesehen von Applaus und Huberts Ansagen kommt das Live-Album auf 23 Songs.

Die magische Stimmung der Livekonzerte wird unglaublich intensiv über diese Doppel-CD an den Zuhörer gebracht. Mit 23 Titel und einer Gesamtspielzeit von knapp zwei Stunden ist es randvoll mit guter Musik. Schwungvolle Lieder wie "Snowdown" oder wunderschöne ruhige Balladen wie z.B. "Wie der Wind" mit Textzeilen wie z.B. "Du bist das Meer und ich bin der, der in dir schwimmt", die einen schwach werden lassen, sind auf dem Livealbum vertreten. Das ist alles sehr abwechslungsreich! So vermischt er Eindrücke vom Steirerland und Louisana im Song "Stoansteirisch". Aber es wird auch gecovert! Hinter "Es ist wahr" steckt der Hank-Williams-Song "Jambalaya". Begleitet von einer Ziehharmonika wird hier mit vielen Weisheiten um sich geschmissen. Und "So a Segen" kennt man - wie eingangs schon erwähnt - als "Amazing Grace". Außerdem zu hören der Song "Am hell-lichten Tag", der mit Mundharmonika beginnt und sich zu einem Country Blues vom allerfeinsten entwickelt. "I bin ganz alloa" ist dagegen ein Bluestitel der durch Jodeln dominiert wird. "Des kanns nit sein" ist im Original der Song "Corinna Corinna", und "Mir hat träumt" ein langsamer Titel mit Klavierbegleitung. "Singa gang guat" ist ein absolut tanzbarer Ohrwurm und "Deux petites melodies" wurde perfekt als letztes Lied gewählt.

Ich hatte oft Probleme mit manchen Mundarttiteln, bin von der Platte aber trotzdem begeistert. Mit Coversongs und eigenen Kompositionen fesselt der Musiker seine Zuhörer und bringt sie dazu, sich die Platten auch durchweg anzuhören. Goisern und Band bringen mühelos mehrere Welten zusammen. Welten, die unterschiedlicher nicht sein könnten. Das ist Kunst!!! Für alle, die auf anspruchsvolle Musik stehen und auch Musiker wie Konstantin Wecker mögen, ist dieses Album empfehlenswert. So können alle, die einen Auftritt des Alpenrockers miterleben durften, diesen noch einmal Revue passieren lassen und alle, die nicht dabei sein konnten, haben die Chance Verpasstes nachzuholen.

Kleiner bitterer Nachgeschmack: Hubert von Goisern beendet nach zehn Jahren die Zusammenarbeit mit seiner Live-Band.

(Franzi Münch)